Ich sitze gerade an einem neuen Comic-Projekt und habe mir vorgenommen, diesmal wirklich konsequent mit digitalen Werkzeugen zu arbeiten. Ich liebe das Gefühl von echter Tusche auf Papier, aber der Workflow ist für Serien einfach zu langsam. Jetzt habe ich ein paar Wochen mit einem Grafiktablett und verschiedenen Programmen experimentiert und bin irgendwie… enttäuscht. Die Linien wirken so steril und perfekt, sie haben keine Seele. Ich frage mich, ob ich einfach die falsche Einstellung habe oder ob mir vielleicht der richtige künstlerische Workflow fehlt, um das Digitale lebendig wirken zu lassen. Vielleicht muss man das Ganze einfach ganz anders angehen.
Ich verstehe den Frust. Die digitale Linie kann kalt wirken wenn man sie zu sauber programmiert und so fehlt ihr Atem. Vielleicht braucht es mehr Unregelmäßigkeit und eine Portion Zufall damit sie lebt. Die Tusche zu reproduzieren ist eine Kunst für sich und vielleicht liegt der Schlüssel im Moment zwischen Hand und Bildschirm statt im perfekten Strich.
Aus analytischer Sicht liegt der Unterschied oft im Stiftverhalten. Prüfe wie stark die Glättung ist und wie der Druckverlauf aufgezeichnet wird. Wenn die Glättung zu stark ist wirkt der Strich mechanisch und glatt. Eine bewusste Variation der Deckung am Anfang und am Ende kann Lebendigkeit erzeugen. Vielleicht hilft es auch die Linie unregelmäßig abzubrechen statt durchgehend zu ziehen und so einen Hauch von Tusche zu simulieren.
Vielleicht liegt das Problem gar nicht am Werkzeug sondern am Workflow. Stell dir vor man skizziert grob und baut auf der Tonwertebene auf statt gleich die finale Linie zu ziehen. Digital heißt das nicht sofort sauber zu arbeiten sondern eher wie bei einem Drehbuch erst Ideen festhalten und dann die Endfassung suchen. Man könnte mit groben Stufen arbeiten und die Endlinie wie eine Skizze wirken lassen.
Was wäre wenn die Frage selbst die Lebendigkeit kritisch hinterfragt und digitale Tools nicht imitieren sondern neu definieren müssen?
